Razões não óbvias pelas quais amamos alguns filmes e achamos difícil tolerar outros

2024 Autor: Malcolm Clapton | [email protected]. Última modificação: 2023-12-17 04:08

Sutilezas de edição, técnicas de câmera e outros truques que permitem sentir a atmosfera.

Na maioria das vezes, quando se fala de cinema, as pessoas falam sobre o enredo e a atuação. Claro, esses são componentes importantes de qualquer filme. Mas acontece que você não consegue tirar os olhos de uma imagem, embora a ação se desenvolva muito lentamente, e outra história rapidamente se torna chata, apesar dos muitos eventos. Alguns autores conseguem fazer o espectador acreditar nas curvas mais fantásticas, enquanto outros fazem até situações reais como brinquedos. E é muito bom assistir a algumas fitas, enquanto outras são difíceis.

Acontece que, além do enredo e dos atores, existem muitas técnicas interessantes que os diretores usam para ajudar o espectador a sentir a ação e curtir o que está acontecendo na tela. Essas sutilezas podem nem ser notadas, mas ainda assim afetam muito a percepção da imagem.

Espectro de cores

A primeira coisa a notar é que as cores nos filmes muitas vezes não são as mesmas da vida real. Pode ser bastante óbvio (por exemplo, se a imagem é em preto e branco), ou você não percebe imediatamente. Mas isso não é coincidência.

Criando uma atmosfera

Com a ajuda das cores, você pode transmitir melhor a atmosfera do que está acontecendo, criar um clima para o espectador e até mesmo mostrar os sentimentos dos próprios personagens.

Pegue a popular franquia X-Men como exemplo. Na série principal de filmes, a imagem brilhante e rica lembra os quadrinhos. E em contraste com eles no noir "Logan", onde falam sobre a velhice e o cansaço do herói, os tons mais claros são escolhidos.

Filmado do filme "X-Men: Apocalypse"

Filmado do filme "Logan"

No filme "Mad Max: Fury Road", a maior parte da ação se passa em uma área quente do deserto. É lógico que a foto foi tirada em tons de amarelo-laranja, que fazem você sentir o sol escaldante e a secura.

Para maior clareza, você pode pegar um quadro e alterar o esquema de cores. Parecerá imediatamente que ficou mais frio.

Filmado do filme "Mad Max: Fury Road"

A mesma moldura, mas em cores frias

Para criar uma imagem contrastante, os sucessos de bilheteria modernos e, em geral, o cinema de massa são feitos mais em azul e laranja.

Mas o famoso Wes Anderson adora uma paleta rosa suave. Dá ao espectador a sensação de um antigo filme romântico. E tudo o que acontece é percebido com mais calma e facilidade.

Quando desejam criar uma atmosfera do futuro e da fantasia, muitas vezes recorrem à faixa azul. E eles adoram especialmente as cores neon, que estão firmemente conectadas na cabeça do espectador com o cyberpunk e a tecnologia.

Desnecessário dizer que os cineastas de terror preferem cores escuras. Há várias razões para isso. Claro, isso é em parte uma forma de bombear a atmosfera. Muitas pessoas já têm medo do escuro, e nos filmes de terror também há monstros escondidos nele.

Além disso, uma imagem escura permite ocultar ligeiramente as imperfeições dos gráficos ou da maquiagem e economizar na produção. É verdade que há um perigo nisso: se você escurecer demais o quadro, o espectador pode simplesmente não ver o que está acontecendo na tela, especialmente em um cinema ruim ou em uma TV antiga. Por exemplo, foi esse o caso do filme Slenderman de 2018.

Embora alguns diretores originais possam jogar em contraste. Por exemplo, Ari Astaire em "Solstice" mostrou a atmosfera típica de um filme de terror: os heróis se encontram em uma aldeia isolada onde coisas terríveis acontecem.

Mas, ao mesmo tempo, a imagem é muito clara, quase não há cenas escuras nela e as roupas dos heróis são brancas como a neve. E isso torna ainda mais assustador, porque não há onde se esconder do horror.

Separando peças de plotagem

Um filme pode ter vários filtros de cores diferentes. Eles são usados para separar as histórias mais claramente. E com o talento certo, essa abordagem ajuda a iluminar a imagem.

Matrix é um ótimo exemplo. O logotipo desta fita foi feito com símbolos de código verde, denotando o programa em que as pessoas vivem. Por isso tudo o que acontece no mundo virtual foi filmado por um filtro esverdeado. E os eventos reais são mostrados em azul.

Uma cena do filme "The Matrix", ação no mundo virtual

Uma cena do filme "The Matrix", ação na vida real

E apenas no final da terceira parte, quando as pessoas e as máquinas firmaram um acordo de paz, as cores azul e verde puras aparecem no quadro ao mesmo tempo.

Em A Origem de Christopher Nolan, os personagens saem do mundo real para dormir, depois dormem durante o sono e assim por diante. Para separar mais claramente as "camadas", o diretor escolheu seu próprio esquema de cores para cada uma delas.

Filmado do filme "Inception", o primeiro sonho

Filmado do filme "Inception", segundo sonho

Filmado do filme "Inception", terceiro sonho

No primeiro nível de sono, tudo é filmado em uma paleta azul, o segundo é amarelo, o terceiro é branco. E só no último sonho todas as sombras se juntam novamente, como no mundo real.

Em Blade Runner 2049 de Denis Villeneuve, cores diferentes refletiam a localização e o estado interno do protagonista.

Filmado do filme "Blade Runner 2049"

Filmado do filme "Blade Runner 2049"

Filmado do filme "Blade Runner 2049"

Filmado do filme "Blade Runner 2049"

Tudo começa com o personagem de Ryan Gosling vagando na névoa, então ele passa por um deserto laranja quente, futurismo neon e uma inundação noturna. E a história termina em um fundo branco como a neve, refletindo calma e purificação.

Recusa de cor

Era uma vez, todos os filmes eram em preto e branco. Simplesmente porque não sabiam filmar de outra forma e era possível colorir as molduras apenas à mão. Então, surgiram os filmes coloridos e a cinematografia se tornou muito mais realista.

Mas, ao mesmo tempo, a fotografia em preto e branco não é completamente uma coisa do passado. Eles ainda são usados para fins artísticos. Por exemplo, para delinear diferentes mundos ou histórias.

Então, em "O Mágico de Oz" em 1939, a cor aparece quando Dolly entra no mundo das fadas.

Imagem do filme "O Mágico de Oz", mundo comum

Imagem do filme "O Mágico de Oz", terra das fadas

Em "Stalker" de Andrei Tarkovsky, as cores também estão ausentes na vida cotidiana dos heróis. E quando os personagens entram na "Zona" mística, o mundo se torna brilhante - é aqui que as pessoas realmente se revelam.

Ou tudo a mesma coisa Christopher Nolan na fita "Remember" mostrou uma parte da ação na ordem direta, e a segunda - no oposto. Portanto, metade do filme é filmado em cores e a outra em preto e branco.

Imagem do filme "Lembre-se", ordem direta

Imagem do filme "Lembre-se", ordem inversa

Além disso, uma imagem em preto e branco permite destacar certos detalhes de forma mais vívida, simplesmente adicionando cor a eles. Pela primeira vez, Sergei Eisenstein fez isso quando pintou manualmente a bandeira do navio de guerra Potemkin de 1925.

Posteriormente, essa técnica foi usada em gêneros completamente diferentes. Na Lista de Schindler de Steven Spielberg, o aparecimento de uma garota com um casaco vermelho torna-se um dos momentos mais emocionantes.

E mesmo no filme de quadrinhos Sin City, essa abordagem é usada repetidamente, com ênfase no batom vermelho, olhos brilhantes ou sangue.

Construção da moldura

Regra dos terços

Um dos princípios fundamentais do cinema e da fotografia. Isso é algo como uma regra simplificada da "proporção áurea".

É simples: ao fotografar, a tela é dividida em três partes vertical e horizontalmente. Os elementos mais importantes do enredo devem estar localizados nessas linhas, bem como em suas interseções. Isso tornará mais fácil para o visualizador se concentrar nos pontos desejados.

Coloque em um quadrado

Se você dividir condicionalmente o quadro ao meio ou em quatro partes iguais, poderá fazer o espectador entender sem palavras o lugar que o personagem ocupa na história.

Esta técnica é mais claramente vista no filme "Drive" de Nicholas Winding Refn. Por exemplo, se o rosto do personagem principal é mostrado no canto superior esquerdo, e no próximo quadro outro personagem aparece no mesmo lugar, então esta é uma dica de que os personagens serão rivais.

Além disso, o mesmo Refn pode contar duas histórias em paralelo: nas partes superior e inferior da tela ou nas metades esquerda e direita. O espectador pode não notar esse movimento, mas ainda assim a percepção dos personagens será mais completa. Além disso, é simplesmente lindo.

Simetria

Outra técnica psicológica e estética ao mesmo tempo. Freqüentemente, as fotos em que a metade esquerda reflete a metade direita são feitas apenas para fins de beleza.

Mas às vezes eles transmitem a oposição dos personagens. E se o herói se olhar no espelho, ele mostrará seu lado negro ou a diferença entre os sonhos e a realidade. Em suma, qualquer alegoria que possa ser pensada para reflexão.

Imagem do filme "2001: Uma Odisséia no Espaço"

Filmado do filme "The Shining"

Uma imagem do filme "Joker".

Canto holandês

Para mostrar a instabilidade do protagonista, suas dúvidas sobre algo ou problemas de memória, eles usam uma técnica muito visual. "Ângulo holandês" significa que a câmera não está disparando em linha reta, mas inclinada. Muitos exemplos dessa abordagem podem ser encontrados nos filmes de Danny Boyle.

É incomum para o espectador olhar para a imagem de um ângulo, então ele percebe melhor o estado desconfortável do personagem.

No entanto, é importante observar a medida aqui. Por exemplo, o desastroso filme "Battlefield: Earth" foi filmado inteiramente em ângulo. Mas em uma hora e meia, o espectador provavelmente terá apenas um pescoço dolorido.

Atirando de baixo e de cima

Outra das técnicas simples, mas eficazes, que permite transmitir o sentimento próprio dos heróis. Então você pode mostrar, por exemplo, quem é o dono da situação. E então me lembro imediatamente das fitas de Quentin Tarantino, onde os personagens olham para dentro do baú.

Filmado do filme "From Dusk Till Dawn"

Filmado do filme "Reservoir Dogs"

E atirar de cima faz você sentir que o herói se sente inseguro. Veja como eles interpretaram engraçado na famosa cena do filme "What Men Talk About", onde o personagem Kamil Larin, como uma criança, dá desculpas ao porteiro de um restaurante caro:

Diálogo e movimento

Ação de fundo

Uma técnica usada com mais frequência em comédia ou terror. Em primeiro plano, nada de interessante acontece. E todos os mais importantes se desdobram contra o fundo, que pode ser escurecido ou desfocado.

Por exemplo, o protagonista do filme "Zombie Called Sean" vai à loja. Tudo é muito mundano para ele. E no fundo há um verdadeiro apocalipse:

Dependendo do gênero e da apresentação, isso pode criar um efeito ou uma tensão muito engraçados - muitas vezes, os gritadores principais estão escondidos em filmes de terror.

Conversas em andamento

O tipo mais comum de diálogo em filmes é que os personagens sentam e conversam. Nesse caso, a câmera tradicionalmente alterna entre os rostos.

Mas se a cena demorar muito, o espectador se cansará da repetição constante dos mesmos ângulos. Portanto, bons diretores complementam ou mudam o cenário de tais cenas.

Por isso, nos filmes de Quentin Tarantino, os personagens falam quase que constantemente. Mas o mestre não deixa você ficar entediado, porque os diálogos podem ocorrer enquanto você dirige. Devido à constante mudança do fundo, a ação não parece ser monótona.

E mesmo que os personagens estejam na mesma sala, a câmera não muda assim. Ela pode se mover ao redor deles, criando o efeito de presença e até mesmo de participação na conversa. Quase todos os personagens podem ser vistos sem edições desnecessárias.

Nicholas Winding Refn consegue usar o jogo já mencionado com cor e reflexão em uma conversa simples. Em Drive, o primeiro diálogo dos protagonistas parece muito simples.

Mas, ao mesmo tempo, o personagem de Ryan Gosling está sempre em um fundo azul (esse esquema de cores o acompanha ao longo do filme). E a heroína Carey Mulligan está nas paredes laranja. E isso mostra que algo os separa, embora sejam próximos.

A regra de 180 graus

Há mais um ponto importante durante a filmagem. Se você mover a câmera mais de 180 graus ao alterar os ângulos, o visualizador ficará confuso. Por exemplo, quando o herói está correndo, parecerá que ele se virou e está se movendo na direção oposta.

E isso é igualmente importante mesmo durante os diálogos. Para não criar a impressão de que todos no quadro se moveram abruptamente, o operador e o diretor escolhem uma certa linha além da qual a câmera não deve ir.

É curioso que uma violação deliberada dessa regra possa ser usada apenas para confundir o espectador, para mostrar a confusão do herói. E com a devida imaginação, os autores criam cenas mais inusitadas. Por exemplo, a conversa de Gollum consigo mesmo. O personagem é simplesmente mostrado de lados diferentes, mas isso cria o efeito de que há dois alto-falantes e estão em diálogo.

Recursos de instalação

A montagem permite tornar a ação do filme mais dinâmica, "pulando" os momentos chatos da vida e permitindo que você veja o que está acontecendo de diferentes pontos de vista. Sua forma mais simples é a narrativa. Ou seja, os eventos no quadro ocorrem um após o outro. Isso foi explicado com mais clareza em O homem do Boulevard des Capucines.

Mas você pode mostrar os acontecimentos do filme de uma maneira diferente, e para isso eles usam técnicas diferentes.

Instalação paralela

Ao contrário da narrativa sequencial, às vezes os autores querem que o público veja o que está acontecendo ao mesmo tempo em lugares diferentes. E então os diretores recorrem à edição paralela.

Isso torna o enredo mais agitado. Mas você precisa ter cuidado. Afinal, se você mostrar por sua vez as cenas que ocorrem ao mesmo tempo, pode ficar com a impressão de que cada uma delas dura mais.

Um exemplo notável de edição paralela malsucedida é "Furious-6". Os heróis estão tentando escapar em um avião que está passando pela pista, os carros os perseguem e uma luta acontece dentro do transatlântico.

Os autores demonstram tantos eventos ao mesmo tempo que na tela o avião parece acelerar por pelo menos 15 minutos. Escusado será dizer que isso mata todo o realismo da situação?

Christopher Nolan, por outro lado, é amplamente considerado um mestre da edição paralela. O diretor o usa em muitas de suas obras, mas The Beginning é o melhor exemplo. Os eventos em diferentes níveis de sono ocorrem simultaneamente e em taxas diferentes (no sono mais profundo, o tempo passa mais devagar).

Aqui, a já mencionada separação de cores é adicionada à ação e o espectador não se confunde com o que está acontecendo, mas percebe toda a globalidade dos acontecimentos.

Aliás, é interessante que no filme "Dunquerque" Nolan seja ainda mais espirituoso com essa técnica. Mostra em paralelo os eventos que ocorrem no solo, na água e no ar. Na verdade, a cronologia é completamente diferente e tudo converge apenas no final.

Flashbacks e Flash Forwards

Às vezes, os autores incorporam suas memórias do passado - flashbacks - na história linear dos heróis. Podem ser flashes muito curtos de alguns segundos ou histórias inteiras.

Um grande fã desses momentos é Jean-Marc Vallee. Assim, ele adiciona tensão às cenas aparentemente calmas. Ou deixa claro que o personagem está enganando alguém: ele diz uma coisa, mas algo completamente diferente aparece em suas memórias.

Não é difícil adivinhar que os flashforwards são as mesmas histórias, mas do futuro. Eles são usados com menos frequência, geralmente em ficção científica ou histórias místicas. Com essa técnica, eles até construíram uma série inteira, onde, durante um determinado eclipse, cada pessoa viu algum momento de seu futuro.

E mais à frente na trama, todos estão tentando descobrir os motivos do que aconteceu e entender o significado de suas visões. A série foi nomeada assim: Flashforward (na tradução russa - "Lembre-se do que vai acontecer"). É verdade que ele durou apenas uma temporada.

Jump-cut

Esta técnica já se aplica à edição linear. Isso significa uma transição nítida entre os quadros. Eles o usam para finalidades completamente diferentes.

Em Little Shop of Horrors, de Frank Oz, essa montagem ajuda a mostrar a longa e enfadonha passagem do tempo.

Mas Lars von Trier, que também costuma usar o jump-cut em suas obras, transmite o estresse emocional e a instabilidade psicológica dos personagens dessa maneira. Fotografar assim deixa a imagem mais "nervosa". Na fita "Idiotas", isso é muito apropriado:

Edição de forma e som

Para que os diferentes eventos mostrados no filme sejam percebidos como continuação uns dos outros, os autores costumam usar coincidências visuais. Ou seja, os contornos de algum objeto em um quadro são repetidos no próximo. E às vezes pode parecer muito espirituoso.

Da mesma forma, você pode "prender" o visualizador com som. O grito continua com o apito do navio a vapor, e o estrondo industrial é substituído por música no mesmo ritmo. Ou o chiado de um cano danificado se transforma em um estalo de carne assada.

Além disso, o som pode estar ligeiramente à frente ou atrás do que é mostrado na tela. Isso é feito para tornar as cenas mais conectadas. Ou seja, o visualizador ainda ouve a fala e farfalhar do quadro anterior, mas a ação já mudou. Ou vice-versa.

Falta de instalação

Esta é uma jogada ousada: os diretores filmam longas cenas sem nenhuma edição ou as escondem de várias maneiras.

Isso torna o que está acontecendo na tela mais realista, dá ao espectador uma noção do ritmo da própria história. Mas, é claro, essa abordagem requer muito mais ensaio e investimento. Afinal, durante o processamento, você pode cortar pequenas coisas malsucedidas.

Assim, Joe Wright no filme "Expiação" mostrou uma cena de cinco minutos com a evacuação das tropas de Dunquerque durante a Segunda Guerra Mundial. 1.300 pessoas estiveram envolvidas na cena da multidão, com equipamentos se movendo no quadro e explosões ocorrendo ao fundo. É essa abordagem que transmite toda a escuridão e caos do que está acontecendo.

As tecnologias modernas permitem um manuseio mais preciso da instalação. E ajudou Alejandro Gonzalez Iñarrit a atirar em Birdman. Nele, você nem mesmo percebe imediatamente que toda a ação é mostrada em um quadro contínuo.

Na verdade, a montagem está lá, mas escondida. As emendas são feitas quando a câmera passa por algum elemento escuro.

E a "Arca Russa" de Alexander Sokurov parece ainda mais forte. A ação se passa em l'Hermitage, e o diretor teve um dia para as filmagens. Portanto, ele decidiu tirar a foto sem colar.

Foram sete meses de ensaios com 800 figurantes. Como resultado, a partir da terceira tomada, eles rodaram um filme inteiro com duração de 1 hora e 27 minutos.

Na verdade, existem muito mais sutilezas desse tipo. Mas muitos deles já exigem um conhecimento profundo de direção e cinematografia. Esses são apenas exemplos simples que podem ser vistos em muitos filmes. E ao ver a próxima foto, você certamente ficará impressionado com o "canto holandês" ou um quadro longo sem edição. Mas isso não vai destruir a magia do cinema, mas, ao contrário, vai tornar a exibição ainda mais interessante.